Una sala de recitales con 358 butacas debería transmitir intimidad por naturaleza. El auditorio de la Universidad Estatal Wright, construido en 1973, no lo hacía. Quienes se veían obligados a actuar en su escenario señalaban la falta de intimidad, de concentración y de conexión entre el público y los intérpretes: un fallo que no tenía nada que ver con el número de butacas y sí con la geometría, la acústica y la suposición de que una sala de tamaño modesto se encargaría del resto por sí sola. La sala de 358 butacas había fracasado silenciosamente en aquello para lo que existe cualquier espacio escénico.
Cuando renovamos la sala en 2012, el rediseño redujo el aforo a 307 butacas y reformuló la acústica, las proporciones y el acceso a la sala. Ahora conocida como la Sala de Conciertos Benjamin y Marian Schuster, la renovación de Schuster es un proyecto de pequeña envergadura, pero pone de manifiesto un problema que se ha convertido en el principal reto del diseño de los centros universitarios de artes escénicas a cualquier escala. El centro universitario de artes escénicas contemporáneo no es un edificio con un único propósito, sino un edificio con demasiados. A lo largo de más de sesenta proyectos artísticos académicos diseñados por H3 y su equipo, hemos visto cómo se acumulaba la presión: se pedía al edificio que enseñara, que actuara, que representara a la institución, que generara ingresos y, inevitablemente, que simbolizara. Un ensayo se disuelve en un recital, que da paso a una producción itinerante calibrada tanto para la venta de entradas como para el mérito artístico. Esta elasticidad se presenta como una virtud —flexibilidad, adaptabilidad, capacidad de respuesta—, pero a menudo enmascara una incertidumbre más profunda sobre para qué sirven estos edificios. El resultado, con demasiada frecuencia, es un compromiso disfrazado de exhaustividad.
El triple mandato
Hemos llegado a definir el reto como un triple mandato. Un centro académico de artes escénicas debe ser un entorno docente, adaptado a las metodologías pedagógicas de los departamentos que lo integran. Debe ser un espacio de representación, capaz de llevar a cabo producciones a un nivel que prepare a los estudiantes para sus carreras profesionales y que atraiga a la comunidad circundante. Y debe ser una puerta de entrada: una presencia cívica acogedora que transmita el compromiso de la institución con las artes e invite a la ciudad a entrar. Las artes escénicas refuerzan el poder de la comunidad, y la función del edificio es hacer que eso sea una realidad. Los proyectos más atractivos son aquellos que despiertan la curiosidad, despiertan el interés e invitan a la participación: edificios que atraen a la gente en lugar de anunciarlo todo desde la calle.
Un centro académico de artes escénicas debe ser, al mismo tiempo, un entorno docente adaptado a la pedagogía del departamento, un espacio escénico capaz de acoger producciones de nivel profesional y una puerta de entrada a la ciudad que invite a la comunidad circundante a entrar. Lograr conciliar estas tres funciones, sin sacrificar ninguna en favor de las demás, es lo que distingue a los proyectos que perduran.
La intimidad como un logro planificado
La intimidad es el punto de partida de esta disciplina. La transmisión del arte del intérprete al público depende de una conexión directa y física, una conexión que el espacio logra o no. La intimidad no es consecuencia del tamaño reducido; es un logro de diseño que requiere resolver simultáneamente la acústica, las líneas de visión, la tecnología y la geometría, factores que a menudo entran en conflicto entre sí. Desde una sala tipo «black box» de 100 butacas hasta una sala de conciertos de 900 butacas, el espacio íntimo no está garantizado y a menudo es difícil de conseguir. El Schuster Hall lo demostró: una sala pequeña que nunca se había construido para transmitir lo que ocurría en su escenario.
La flexibilidad, replanteada
La flexibilidad, la otra virtud habitual de la programación artística universitaria, es el término que con mayor frecuencia se malinterpreta en el pliego de condiciones. La flexibilidad no es solo la capacidad de un espacio para albergar numerosas actividades; lo que es más importante, es la capacidad de no excluir actividades imprevistas. Al inicio de un proceso de programación, resulta fácil enumerar las actividades que acogerá un edificio. Lo que resulta más difícil, y más importante, es diseñar pensando en aquellas actividades que nadie ha imaginado aún.
El Centro DiMenna de Música Clásica, que diseñamos para la Orquesta de St. Luke’s como el único espacio de ensayo y grabación de Nueva York optimizado acústicamente y dedicado a la música clásica, ofrece un modelo instructivo. El Mary Flagler Cary Hall, su pieza central, está diseñado según el estándar acústico NC-15, un referente que permite a las principales orquestas realizar grabaciones de calidad profesional. Desde entonces, más de 150 grupos han alquilado la sala para desfiles de moda, grabaciones de álbumes de musicales, fiestas de empresa y bodas, ninguno de los cuales figuraba en el pliego de condiciones original. El diseño no los había previsto. Simplemente se había negado a descartarlos.
La flexibilidad no es solo la capacidad de un lugar para acoger numerosas actividades; lo más importante es que no excluya actividades imprevistas. El Centro DiMenna se diseñó para la música clásica. No se diseñó en contra de todo lo demás. Esa distinción es la esencia misma de la lección.
El Laboratorio Dramático
La oportunidad más profunda que ofrece el diseño de centros académicos de artes escénicas consiste en hacer visible el aprendizaje: difuminar la frontera entre el proceso y el producto para que el público pueda ser testigo tanto de la creación como del consumo. Diseñamos los espacios escénicos académicos como laboratorios dramáticos: lugares donde los intérpretes, los estudiantes y los productores pueden probar nuevos enfoques, ajustar la iluminación, fusionar el patio de butacas con el escenario y reconfigurar la sala. Cada espacio —escenario, sala de ensayos, taller de producción, cabina de control— es un espacio de enseñanza. Eso es lo que distingue a una instalación académica de cualquier otro tipo de centro de artes escénicas: es un lugar que prepara a quienes estudian las artes para la vida profesional, no solo un lugar donde se celebran representaciones. Los estudiantes que se forman en edificios diseñados según criterios profesionales se gradúan preparados para el mundo laboral.
Práctica del centro académico de artes escénicas H3: cifras seleccionadas
» ya finalizados
» en el Ent Center de la UCCS
— «un edificio que entusiasma por igual al profesorado, al alumnado, a los miembros de l
e y a los administradores»
Fuente: Datos del proyecto «H3 Hardy Collaboration Architecture»
Tres edificios, tres escalas
Ya están en marcha las obras del Centro de Artes Escénicas Smith Family de la Universidad de Alabama, un complejo de 10 770 metros cuadrados con cuatro salas situado en Tuscaloosa y conectado al edificio principal Bryce, restaurado, una estructura de estilo italianizante de 1853 con una cúpula de estuco blanco emblemática. El programa —que incluye un teatro de danza con 450 butacas, un teatro dramático con 350 butacas, un teatro estudio con 250 butacas y un teatro de ópera con 110 butacas— se diseñó tras un exhaustivo análisis previo de los requisitos del departamento de Teatro y Danza. Los estudios tienen un tamaño y un equipamiento que se ajustan a los entornos comerciales para el diseño de vestuario, escenografía, producción e iluminación; se ha especificado una acústica ajustable en todos los espacios escénicos; y los suelos de baile se han diseñado con precisión para cumplir con los requisitos de acreditación de la Asociación Nacional de Escuelas de Danza.
La relación entre el campus y la comunidad añade otra capa de complejidad. Un edificio abierto al público debe seguir formando parte de su contexto académico; uno que preste servicio a la institución no debe aislarse de su entorno. Este equilibrio rara vez se logra únicamente a través de la arquitectura: se pone en práctica a diario mediante la programación, el acceso y la gestión, y debe tenerse en cuenta desde el principio. El Ent Center for the Arts de la Universidad de Colorado en Colorado Springs es la materialización más completa de este principio que hemos construido. Las instalaciones, de 8.548 metros cuadrados, situadas a la entrada del campus, albergan cuatro espacios: el Teatro Shockley-Zalabak, con 757 butacas; la Sala de Recitales Chapman Foundations, con 230 butacas; el Teatro Dusty Loo Bon Vivant, con 200 butacas (sede de la compañía profesional Theatreworks), y el Osborne Studio, con 120 butacas—, junto a la Galería de Arte Contemporáneo Marie Walsh Sharpe. El Shockley-Zalabak es utilizado de forma continua por organizaciones artísticas de la comunidad de Colorado Springs, además de para la programación académica de la UCCS y producciones itinerantes. El edificio no era una instalación universitaria a la que se invitaba a la comunidad a utilizar; era una instalación que la universidad y la comunidad construyeron juntas —basada en el encargo de H3 de 2010 y en un proceso de participación comunitaria de varios años que reunió a casi un centenar de colaboradores de la comunidad—.
El Knight Center for Music Innovation de la Escuela de Música Frost de la Universidad de Miami se rige por un orden de complejidad diferente: se trata de un edificio de 2.323 metros cuadrados que alberga una sala de recitales con 200 butacas y un «Innovation Studio» totalmente configurable, dos espacios con enfoques pedagógicos opuestos. La sala de recitales se ha diseñado en torno a una acústica fija, con paneles laterales GFRG hechos a medida que reflejan el sonido sin amplificar. El Estudio de Innovación es flexible en casi todos los aspectos; su rasgo distintivo es un muro cortina electrificado que se proyecta hacia la adyacente Newman Plaza, convirtiendo una pared en una pantalla al aire libre y retransmitiendo simultáneamente las actuaciones en el interior a todo el campus. El edificio obtuvo la certificación LEED Platino —la primera de la Escuela Frost—, lo que demuestra que la sostenibilidad de alto rendimiento y el diseño acústico de alto rendimiento no son prioridades contrapuestas.
Tecnología, calibrada
La tecnología es a la vez una solución y una complicación en estos edificios. Promete adaptabilidad, pero se queda obsoleta rápidamente. Nuestra postura es mesurada: un exceso de arquitectura puede interferir en el trabajo artístico; una falta de ella supone una carga. Demasiada tecnología agota el presupuesto de construcción y requiere especialistas para su funcionamiento; muy poca hace que las instalaciones requieran mucha mano de obra y sean caras de mantener. La prueba no consiste en si el edificio cuenta con las últimas prestaciones en el momento de su finalización, sino en si esas prestaciones sirven a los programas que lo ocuparán durante los próximos treinta años.
La prueba que importa
Lo que, en última instancia, distingue a los centros universitarios de artes escénicas de éxito no es su capacidad para hacerlo todo, sino su claridad a la hora de identificar lo que realmente importa. Esa claridad perdura más allá de su contexto original. Ocho años después de la inauguración del Davis Performing Arts Center de la Universidad de Georgetown, Maya E. Roth, directora del Departamento de Artes Escénicas, describió el edificio de la siguiente manera:
«La influencia a largo plazo del H3 en Georgetown es considerable: el Davis Center es un regalo y un motor de transformación constante. El diseño de este edificio es excepcional, ya que, de alguna manera, satisface las más diversas necesidades a la vez. Ocho años después de su inauguración, sigue siendo un edificio que entusiasma tanto al profesorado como a los estudiantes y al personal administrativo».
— Maya E. Roth, directora del Departamento de Artes Escénicas de la Universidad de Georgetown
Esa es la prueba: no la inauguración, sino la década que viene después. No el corte de cinta, sino el ensayo del martes por la tarde del noveno año, cuando el edificio cumple exactamente con su función y nadie le presta especial atención.
Acerca de H3 Hardy Collaboration Architecture
H3 Hardy Collaboration Architecture es un estudio de Nueva York especializado en edificios dedicados a las artes escénicas, la cultura, los servicios públicos y la enseñanza. H3 es el estudio de diseño de teatros, artes y edificios culturales que forma parte de la familia de estudios de diseño Arquitectonica, y ha ganado más de 100 premios de diseño reconocidos por el AIA y por organizaciones de diseño regionales de todo el país.
H3 ha construido más de cincuenta centros de artes escénicas y más de quince centros artísticos universitarios, entre los que se incluyen el Ent Center for the Arts de la UCCS, el Knight Center for Music Innovation de la Escuela de Música Frost de la Universidad de Miami y el Smith Family Center for the Performing Arts (en construcción) de la Universidad de Alabama.