Ein Konzertsaal mit 358 Plätzen sollte von Natur aus eine intime Atmosphäre vermitteln. Der 1973 erbaute Saal der Wright State University tat dies jedoch nicht. Diejenigen, die gezwungen waren, auf dieser Bühne aufzutreten, stellten fest, dass es dem Raum an Intimität, Konzentration und einer Verbindung zwischen Publikum und Darstellern mangelte – ein Versagen, das nichts mit der Anzahl der Sitzplätze zu tun hatte, sondern ausschließlich mit der Geometrie, der Akustik und der Annahme, dass ein Raum von bescheidener Größe den Rest von selbst regeln würde. Der Saal mit 358 Plätzen hatte stillschweigend bei dem versagt, wofür jeder Aufführungsraum eigentlich da ist.
Als wir den Saal 2012 renovierten, reduzierte die Neugestaltung die Sitzplatzanzahl auf 307 und gestaltete die Akustik, die Proportionen und die Zugänge des Raums neu. Die Schuster-Renovierung, die den Saal nun in „Benjamin and Marian Schuster Concert Hall“ umbenannt hat, ist zwar ein kleines Projekt, doch sie benennt ein Problem, das zur entscheidenden Herausforderung bei der Gestaltung von universitären Veranstaltungszentren jeder Größenordnung geworden ist. Das moderne universitäre Veranstaltungszentrum ist kein Gebäude mit einem einzigen Zweck – es ist ein Gebäude mit zu vielen. Bei mehr als sechzig akademischen Kunstprojekten, die von H3 und seinen Mitarbeitern entworfen wurden, haben wir beobachtet, wie sich der Druck aufbaute: Das Gebäude sollte lehren, Aufführungen bieten, die Institution repräsentieren, Einnahmen erzielen und unweigerlich als Symbol dienen. Eine Probe geht in eine Aufführung über, die einer Tournee-Produktion weicht, die ebenso sehr auf Ticketverkäufe wie auf künstlerischen Wert ausgerichtet ist. Diese Elastizität wird als Tugend dargestellt – Flexibilität, Anpassungsfähigkeit, Reaktionsfähigkeit –, doch oft verbirgt sie eine tiefere Unsicherheit darüber, wozu diese Gebäude eigentlich dienen. Das Ergebnis ist allzu oft ein Kompromiss, der als Vielseitigkeit getarnt ist.
Das dreifache Mandat
Wir haben diese Herausforderung als dreifachen Auftrag definiert. Ein akademisches Zentrum für darstellende Künste muss ein Lehrumfeld sein, das auf die pädagogischen Ansätze der dort ansässigen Fachbereiche abgestimmt ist. Es muss ein Veranstaltungsort sein, der Produktionen auf einem Niveau ermöglicht, das die Studierenden auf ihre berufliche Laufbahn vorbereitet und das die umliegende Bevölkerung gerne besucht. Und es muss ein Tor sein – eine einladende Präsenz im öffentlichen Raum, die das Engagement der Institution für die Künste signalisiert und die Stadt zum Eintreten einlädt. Die darstellenden Künste stärken den Zusammenhalt der Gemeinschaft, und die Aufgabe des Gebäudes ist es, dies zu verwirklichen. Die überzeugendsten Projekte sind jene, die Neugier wecken, Interesse wecken und zur Teilnahme einladen – Gebäude, die Menschen anziehen, anstatt schon von der Straße aus alles zu verkünden.
Ein akademisches Zentrum für darstellende Künste muss zugleich ein auf die Lehrkonzepte der Fachbereiche abgestimmtes Lehrumfeld, ein Veranstaltungsort für professionelle Produktionen und ein öffentlicher Treffpunkt sein, der die umliegende Gemeinschaft zum Besuch einlädt. Die Vereinbarkeit dieser drei Aspekte, ohne dass einer zugunsten der anderen vernachlässigt wird, ist das, was Projekte auszeichnet, die Bestand haben.
Intimität als gestaltete Errungenschaft
Intimität ist der Ausgangspunkt dieser Disziplin. Die Vermittlung von Kunst vom Darsteller zum Publikum hängt von einer direkten, physischen Verbindung ab – einer Verbindung, die der Raum entweder herstellt oder nicht. Intimität ist keine Folge der geringen Größe; sie ist ein gestalterisches Ergebnis, das die gleichzeitige Lösung von Akustik, Sichtlinien, Technik und Geometrie erfordert – Faktoren, die häufig im Spannungsverhältnis zueinander stehen. Von einer Black-Box mit 100 Plätzen bis hin zu einem Konzertsaal mit 900 Plätzen ist ein intimer Raum nicht garantiert und oft schwer zu erreichen. Die Schuster Hall hat es bewiesen: ein kleiner Raum, der nie dafür gebaut worden war, das Geschehen auf seiner Bühne zu vermitteln.
Flexibilität neu betrachtet
Flexibilität, die andere typische Tugend der Programmgestaltung an Hochschulen, ist der Begriff, der in der Aufgabenstellung am häufigsten missverstanden wird. Flexibilität ist nicht nur die Fähigkeit eines Ortes, viele Aktivitäten zu beherbergen – viel wichtiger ist es, dass unvorhergesehene Aktivitäten nicht ausgeschlossen werden. Zu Beginn eines Planungsprozesses ist es einfach, die Aktivitäten aufzulisten, die in einem Gebäude stattfinden sollen. Schwieriger und wichtiger ist es jedoch, die Gestaltung so zu gestalten, dass sie auch Aktivitäten zulässt, die sich noch niemand vorstellen kann.
Das DiMenna Center for Classical Music, das wir für das Orchestra of St. Luke’s als New Yorks einzigen akustisch optimierten Proben- und Aufnahmeraum für klassische Musik entworfen haben, bietet ein lehrreiches Vorbild. Die Mary Flagler Cary Hall, das Herzstück des Zentrums, wurde nach dem akustischen Standard NC-15 konzipiert – einem Maßstab, der es großen Orchestern ermöglicht, Aufnahmen in professioneller Qualität zu erstellen. Mehr als 150 mietende Gruppen haben den Saal seitdem für Modenschauen, Cast-Album-Aufnahmen, Firmenfeiern und Hochzeiten genutzt – allesamt Veranstaltungen, die im ursprünglichen Auftrag nicht vorgesehen waren. Das Design hatte diese nicht eingeplant. Es hatte sich lediglich geweigert, sie auszuschließen.
Flexibilität bedeutet nicht nur, dass ein Ort für viele verschiedene Aktivitäten geeignet ist – viel wichtiger ist vielmehr, dass er unvorhergesehene Aktivitäten nicht ausschließt. Das DiMenna Center wurde für klassische Musik konzipiert. Es wurde nicht als Gegenpol zu allem anderen entworfen. Genau darin liegt die ganze Lehre.
Das Theaterlabor
Die tiefgreifende Chance bei der Gestaltung akademischer Zentren für darstellende Künste besteht darin, das Lernen sichtbar zu machen – die Grenze zwischen Prozess und Produkt aufzulösen, damit das Publikum sowohl den Entstehungsprozess als auch den Genuss miterleben kann. Wir gestalten akademische Aufführungsräume als dramatische Labore: Orte, an denen Darsteller, Studierende und Produzenten neue Ansätze ausprobieren, die Beleuchtung anpassen, Zuschauerraum und Bühne miteinander verschmelzen und den Saal neu gestalten können. Jeder Raum – Bühne, Proberaum, Werkstattraum, Regiekabine – ist ein Lehrraum. Das ist es, was eine akademische Einrichtung von jeder anderen Art von Zentrum für darstellende Künste unterscheidet: Es ist ein Ort, der diejenigen, die Kunst studieren, auf das Berufsleben vorbereitet, und nicht nur ein Ort, an dem Aufführungen stattfinden. Studierende, die in Gebäuden ausgebildet werden, die nach professionellen Maßstäben entworfen wurden, verlassen die Hochschule gut vorbereitet für die Berufswelt.
H3 – Praxis im akademischen Zentrum für darstellende Künste – ausgewählte Zahlen
“ im UCCS Ent Center
“ bezeichnete, „ein Gebäude, das Lehrkräfte, Studierende, „
“ und Verwaltungsmitarbeiter gleichermaßen begeistert“
Quelle: Projektdaten der H3 Hardy Collaboration Architecture
Drei Gebäude, drei Maßstäbe
Derzeit laufen die Bauarbeiten am „Smith Family Center for the Performing Arts“ der University of Alabama – einem 10.800 Quadratmeter großen Komplex mit vier Veranstaltungsräumen in Tuscaloosa, der an das restaurierte Bryce Main Building angeschlossen ist, ein 1853 im italienischen Stil erbautes Gebäude mit einer denkmalgeschützten Kuppel aus weißem Stuck. Das Programm – ein Tanztheater mit 450 Plätzen, ein Schauspieltheater mit 350 Plätzen, ein Studiotheater mit 250 Plätzen und ein Operntheater mit 110 Plätzen – wurde durch eine umfassende Vorentwurfsprüfung der Anforderungen der Abteilung für Theater und Tanz gestaltet. Die Studios sind in Größe und Ausstattung auf kommerzielle Umgebungen für Kostüm-, Bühnenbild-, Produktions- und Lichtdesign abgestimmt; in allen Aufführungsräumen ist eine anpassbare Akustik vorgesehen; die Tanzböden sind präzise konstruiert, um die Akkreditierung durch die National Association of Schools of Dance zu unterstützen.
Die Beziehung zwischen Campus und Gemeinde bringt eine weitere Ebene der Komplexität mit sich. Ein Gebäude, das der Öffentlichkeit offensteht, muss dennoch in seinen akademischen Kontext eingebunden sein; eines, das der Institution dient, darf seine Umgebung nicht entfremden. Dieses Gleichgewicht lässt sich selten allein durch architektonische Mittel herstellen – es wird täglich durch Programmgestaltung, Zugänglichkeit und Verwaltung umgesetzt und muss von Anfang an mit einbezogen werden. Das Ent Center for the Arts an der University of Colorado Colorado Springs ist die umfassendste Umsetzung dieses Prinzips, die wir bisher realisiert haben. Die 8.548 Quadratmeter große Anlage, die am Eingang zum Campus liegt, beherbergt vier Veranstaltungsorte – das Shockley-Zalabak Theater mit 757 Plätzen, die Chapman Foundations Recital Hall mit 230 Plätzen, das Dusty Loo Bon Vivant Theater mit 200 Plätzen (Heimat der professionellen Theatergruppe Theatreworks) sowie das Osborne Studio mit 120 Plätzen – neben der Marie Walsh Sharpe Gallery of Contemporary Art. Das Shockley-Zalabak wird neben den akademischen Programmen der UCCS und Gastspielproduktionen kontinuierlich von Kunstorganisationen der Gemeinde Colorado Springs genutzt. Das Gebäude war keine Universitätseinrichtung, zu deren Nutzung die Gemeinde eingeladen wurde; es war eine Einrichtung, die die Universität und die Gemeinde gemeinsam errichteten – auf der Grundlage des Auftrags an H3 aus dem Jahr 2010 und eines mehrjährigen Prozesses der Bürgerbeteiligung, an dem fast hundert Mitwirkende aus der Gemeinde beteiligt waren.
Eine ganz andere Komplexität prägte das Knight Center for Music Innovation an der Frost School of Music der University of Miami – ein rund 2.300 Quadratmeter großes Gebäude, das einen Konzertsaal mit 200 Plätzen und ein vollständig konfigurierbares Innovationsstudio beherbergt, also Räume, die pädagogisch gegensätzlich sind. Der Konzertsaal ist auf eine feste Akustik ausgelegt, wobei maßgefertigte GFRG-Seitenwandpaneele den unverstärkten Klang reflektieren. Das Innovation Studio ist in nahezu jeder Hinsicht flexibel; sein Markenzeichen ist eine elektrifizierte Vorhangfassade, die auf den angrenzenden Newman Plaza projiziert und so eine Wand in eine Außenleinwand verwandelt, um Aufführungen im Innenbereich auf den gesamten Campus zu übertragen. Das Gebäude erhielt die LEED-Platin-Zertifizierung – die erste für die Frost School – und beweist damit, dass hochleistungsfähige Nachhaltigkeit und hochleistungsfähiges Akustikdesign keine konkurrierenden Prioritäten sind.
Technologie, kalibriert
Technologie ist in diesen Gebäuden sowohl Lösung als auch Komplikation. Sie verspricht Anpassungsfähigkeit, veraltet aber schnell. Unser Ansatz ist ausgewogen: Zu viel Architektur kann die künstlerische Arbeit beeinträchtigen, zu wenig ist eine Belastung. Zu viel Technologie verschlingt das Baubudget und erfordert Fachpersonal für den Betrieb; zu wenig macht die Anlage arbeitsintensiv und teuer im Unterhalt. Der Maßstab ist nicht, ob das Gebäude zum Zeitpunkt der Fertigstellung über die neuesten Funktionen verfügt, sondern ob diese Funktionen den Programmen dienen, die es in den nächsten dreißig Jahren beherbergen werden.
Der entscheidende Test
Was erfolgreiche universitäre Zentren für darstellende Künste letztlich auszeichnet, ist nicht ihre Fähigkeit, alles zu leisten, sondern ihre Klarheit darüber, worauf es am meisten ankommt. Diese Klarheit überdauert ihren ursprünglichen Kontext. Acht Jahre nach der Eröffnung des Davis Performing Arts Center der Georgetown University beschrieb Maya E. Roth, Vorsitzende des Fachbereichs für Darstellende Künste, das Gebäude wie folgt:
„Der langfristige Einfluss von H3 in Georgetown ist bedeutend: Das Davis Center ist ein Geschenk und ein Motor für den kontinuierlichen Wandel. Die Gestaltung dieses Gebäudes ist außergewöhnlich und wird den vielfältigen Anforderungen auf einzigartige Weise gerecht. Auch acht Jahre nach seiner Eröffnung begeistert es nach wie vor Lehrende, Studierende und Verwaltungsmitarbeiter gleichermaßen.“
— Maya E. Roth, Vorsitzende des Fachbereichs Darstellende Künste, Georgetown University
Das ist der Lackmustest: nicht die Eröffnung, sondern das Jahrzehnt, das darauf folgt. Nicht die feierliche Einweihung, sondern die Probe an einem Dienstagnachmittag im neunten Jahr, wenn das Gebäude genau das tut, wozu es gebaut wurde, und niemand besonders darauf achtet.
Über die H3 Hardy Collaboration Architecture
H3 Hardy Collaboration Architecture ist ein New Yorker Architekturbüro, das sich auf Gebäude für darstellende Künste, Kultur, öffentliche Einrichtungen und Hochschulen spezialisiert hat. H3 ist das Studio für Theater-, Kunst- und Kulturgebäude innerhalb der Arquitectonica-Gruppe und hat mehr als 100 Designpreise gewonnen, die vom AIA und regionalen Designverbänden im ganzen Land anerkannt sind.
H3 hat mehr als fünfzig Zentren für darstellende Künste und mehr als fünfzehn universitäre Kunstzentren errichtet – darunter das Ent Center for the Arts an der UCCS, das Knight Center for Music Innovation an der Frost School of Music der University of Miami und das Smith Family Center for the Performing Arts (im Bau) an der University of Alabama.