Una sala de conciertos con 358 butacas debería transmitir, por definición, una sensación de intimidad. Sin embargo, el auditorio de la Universidad Estatal Wright, construido en 1973, no lo hacía.
Las personas que tuvieron que actuar en su escenario comentaron que la sala carecía de intimidad, de concentración y de cualquier conexión real entre el artista y el público. El número de butacas no tenía nada que ver. El problema radicaba en la geometría, la acústica y la suposición de que una sala modesta se encargaría del resto por sí sola. Una sala pequeña había fracasado silenciosamente en lo único para lo que existe cualquier espacio escénico.
Cuando renovamos la sala en 2012 para convertirla en la Sala de Conciertos Benjamin y Marian Schuster, redujimos el aforo a 307 butacas y rediseñamos la acústica de la sala, sus proporciones y la forma en que se relaciona con el público. Schuster es un proyecto de pequeñas dimensiones, pero pone de manifiesto un problema que se ha convertido en el principal reto del diseño de centros universitarios de artes escénicas a cualquier escala. El centro universitario de artes escénicas contemporáneo no es un edificio con un único propósito. Es un edificio con demasiados. A lo largo de más de cincuenta proyectos artísticos académicos en la trayectoria de nuestro estudio, hemos visto cómo se acumulaba la presión. Se le pide al edificio que enseñe, que acoja espectáculos, que represente a la institución, que genere ingresos y, inevitablemente, que simbolice. Un ensayo se convierte en un recital, que da paso a una producción itinerante calibrada tanto para la venta de entradas como para el mérito artístico. Toda esta elasticidad se vende como una virtud, como flexibilidad, adaptabilidad y capacidad de respuesta, pero suele encubrir una incertidumbre más profunda sobre para qué sirve realmente el edificio. El resultado, con más frecuencia de la que debería, es un compromiso disfrazado de plenitud.
Hemos llegado a considerar este reto como un triple mandato. Un centro académico de artes escénicas debe ser un entorno docente, adaptado a la forma en que imparten realmente la enseñanza los departamentos que lo integran. Debe ser un espacio de actuación, capaz de llevar a cabo producciones a un nivel que prepare a los estudiantes para sus carreras profesionales y que atraiga a la comunidad circundante. Y debe ser una puerta de entrada, una presencia cívica acogedora que refleje la visión que la institución tiene de las artes e invite a la ciudad a entrar. Las artes escénicas hacen realidad la comunidad, y la función del edificio es proporcionar un espacio donde eso pueda suceder. Los proyectos que funcionan son aquellos que despiertan la curiosidad e invitan a la gente a participar, edificios que te atraen en lugar de anunciarlo todo de golpe desde la acera.
La intimidad es el punto de partida de esta disciplina. El arte pasa del intérprete al público a través de una conexión directa y física, y el espacio puede facilitar esa conexión o impedirla. La intimidad no es una consecuencia del tamaño reducido. Es algo que se diseña a propósito, y exige resolver a la vez cuestiones de acústica, visibilidad, tecnología y geometría, incluso cuando estos elementos entran en conflicto entre sí. Desde una sala tipo «black box» de 100 butacas hasta una sala de conciertos de 900 butacas, la intimidad nunca está garantizada y a menudo es difícil de conseguir. Schuster lo demostró: una sala pequeña que nunca se había construido para albergar lo que sucedía en su escenario.
La flexibilidad, la otra virtud reflexiva de la programación artística, es la que la gente suele malinterpretar con mayor frecuencia. La flexibilidad no es solo la capacidad de un espacio para albergar numerosas actividades. Es más que eso: es la capacidad de no descartar aquellas actividades en las que aún nadie ha pensado. Al inicio de un proceso de programación, resulta fácil enumerar las actividades que acogerá un edificio. La tarea más difícil e importante es diseñar pensando en lo que nadie ha imaginado. El Centro DiMenna de Música Clásica, que diseñamos para la Orquesta de St. Luke’s como el único espacio de ensayo y grabación de Nueva York optimizado acústicamente y construido específicamente para la música clásica, es un buen ejemplo de ello. Su pieza central, el Mary Flagler Cary Hall, se construyó según el estándar acústico NC-15, lo suficientemente silencioso como para que las principales orquestas puedan realizar grabaciones profesionales. Desde entonces, más de 150 grupos externos han utilizado la sala para desfiles de moda, grabaciones de álbumes de musicales, fiestas de empresa y bodas. Ninguna de esas actividades figuraba en el pliego de condiciones original. El diseño no había previsto ninguna de ellas. Simplemente se había negado a excluirlas.
La mayor oportunidad que ofrece el diseño de centros académicos de artes escénicas reside en hacer visible el aprendizaje, difuminando la línea divisoria entre el proceso y el producto, de modo que el público pueda ver cómo se crea algo en lugar de limitarse a contemplar el resultado final. Diseñamos los espacios escénicos académicos como laboratorios dramáticos, lugares donde los intérpretes, los estudiantes y los productores puedan experimentar, ajustar la iluminación, difuminar la línea entre el patio de butacas y el escenario y reconfigurar la sala. Cada espacio cumple su función como espacio de enseñanza: el escenario, la sala de ensayos, el taller de producción, la cabina de control. Eso es lo que distingue a una instalación académica de cualquier otro tipo de centro de artes escénicas. Es un lugar que prepara a las personas que estudian las artes para una vida profesional en ellas, no solo un lugar donde casualmente tienen lugar las representaciones.
Ya están en marcha las obras del Centro de Artes Escénicas Smith Family de la Universidad de Alabama, un complejo de 10 770 metros cuadrados con cuatro salas situado en Tuscaloosa, conectado al edificio principal Bryce, restaurado, una estructura de estilo italianizante de 1853 con una emblemática cúpula de estuco blanco. El proyecto, que incluye un teatro de danza con 450 butacas, un teatro dramático con 350 butacas, un teatro estudio con 250 butacas y un teatro de ópera con 110 butacas, surgió tras un largo proceso de revisión previo al diseño para determinar las necesidades reales de los departamentos de Teatro y Danza. Los estudios tienen el tamaño y el equipamiento adecuados para imitar los entornos profesionales en los que trabajarán los estudiantes en el diseño de vestuario, escenografía, producción e iluminación. Todos los espacios escénicos cuentan con acústica regulable. Las pistas de baile están diseñadas según los estándares exigidos para la acreditación por la Asociación Nacional de Escuelas de Danza. Los estudiantes que se forman en edificios construidos según criterios profesionales se gradúan preparados para el trabajo profesional.
La relación entre el campus y la comunidad añade otra dimensión. Un edificio abierto al público debe seguir formando parte de su entorno académico, y un edificio al servicio de la institución debe seguir en armonía con lo que lo rodea. Ese equilibrio rara vez se limita a la arquitectura. Se pone en práctica día a día a través de la programación, el acceso y la gestión, y debe tenerse en cuenta desde el principio. El Ent Center for the Arts de la Universidad de Colorado en Colorado Springs es la versión más completa de esto que hemos construido. Las instalaciones, de 8.548 metros cuadrados, se sitúan a la entrada del campus y albergan cuatro salas: el Teatro Shockley-Zalabak, con 757 butacas, la Sala de Recitales Chapman Foundations, con 230 butacas, el Teatro Dusty Loo Bon Vivant, con 200 butacas, sede de la compañía profesional Theatreworks, y el Osborne Studio, con 120 butacas, además de la Galería de Arte Contemporáneo Marie Walsh Sharpe. El Shockley-Zalabak es utilizado constantemente por organizaciones artísticas de Colorado Springs, entre ellas la Chamber Orchestra of the Springs y E.P.I.C. Concerts, junto con la programación académica de la UCCS y producciones itinerantes. Esta nunca fue una instalación universitaria a la que se invitara a la comunidad a utilizar. Fue una instalación que la universidad y la comunidad construyeron juntas, a través de un proceso de varios años que comenzó con nuestro encargo en 2010 y que reunió a una amplia gama de socios comunitarios en la mesa de diseño.
Un tipo diferente de complejidad dio forma al Knight Center for Music Innovation de la Escuela de Música Frost de la Universidad de Miami, un edificio de 2.323 metros cuadrados que alberga una sala de recitales con 200 butacas y un «Innovation Studio» totalmente configurable, dos espacios con objetivos opuestos. La sala de recitales se ha diseñado en torno a una acústica fija, y sus paneles laterales GFRG, fabricados a medida, dan forma al sonido sin amplificación. El Estudio de Innovación es ajustable en casi todas sus dimensiones, y su característica distintiva es un muro cortina electrificado que se proyecta hacia la adyacente Newman Plaza, convirtiendo una pared en una pantalla al aire libre y llevando las actuaciones del interior a todo el campus. El edificio obtuvo la certificación LEED Platino, la primera de la Escuela Frost, lo que desmiente la idea de que la sostenibilidad de alto rendimiento y la acústica de alto rendimiento tengan que competir por el mismo presupuesto.
La tecnología es a la vez la solución y el problema en estos edificios. Promete adaptabilidad, pero luego se queda obsoleta rápidamente. Nuestra postura es un ejercicio de equilibrio. Demasiada arquitectura entorpece la obra artística, y muy poca deja a la obra desprotegida. Demasiada tecnología se come el presupuesto de construcción y exige especialistas para gestionarla, mientras que muy poca encarece el lugar y hace que su funcionamiento requiera mucha mano de obra. La verdadera prueba no es si el edificio cuenta con las últimas prestaciones el día de la inauguración. Es si esas prestaciones sirven a los programas que se desarrollarán en su interior durante los próximos treinta años.
Lo que realmente distingue a los centros universitarios de artes escénicas de éxito del resto no es todo lo que son capaces de hacer, sino la claridad con la que saben qué es lo más importante. Esa claridad perdura más allá del momento en que se estableció. Ocho años después de la inauguración del Davis Performing Arts Center de la Universidad de Georgetown, Maya E. Roth, directora del Departamento de Artes Escénicas, lo expresó de la siguiente manera:
La influencia a largo plazo del H3 en Georgetown es considerable: el Davis Center es un regalo y un motor de transformación constante. El diseño de este edificio es excepcional, ya que, de alguna manera, satisface las más diversas necesidades al mismo tiempo. Ocho años después de su inauguración, sigue siendo un edificio que entusiasma tanto al profesorado como a los estudiantes y al personal administrativo. Maya E. Roth, directora del Departamento de Artes Escénicas de la Universidad de Georgetown
Esa es la verdadera prueba. No la inauguración, sino la década que viene después. No el corte de cinta, sino el ensayo del martes por la tarde del noveno año, cuando el edificio cumple exactamente con su función y nadie le presta especial atención.