Une salle de récital de 358 places devrait, par nature, offrir une atmosphère intime. Ce n’était pas le cas de l’auditorium de l’université Wright State, construit en 1973. Ceux qui étaient contraints de se produire sur sa scène relevaient le manque d’intimité de la salle, ainsi que l’absence de concentration et de connexion entre le public et les artistes — un échec qui n’avait rien à voir avec le nombre de places, mais tout à voir avec la géométrie, l’acoustique et l’hypothèse selon laquelle une salle de taille modeste se chargerait d’elle-même du reste. Cette salle de 358 places avait discrètement échoué dans la mission même pour laquelle tout espace de spectacle existe.
Lors de la rénovation de la salle en 2012, le réaménagement a réduit le nombre de places à 307 et a permis de repenser l’acoustique, les proportions et l’accès à la salle. Désormais baptisée « Benjamin and Marian Schuster Concert Hall », la rénovation de la salle Schuster est un projet de modeste envergure, mais elle met en lumière un problème qui est devenu le défi majeur de la conception des centres universitaires des arts du spectacle, quelle que soit leur taille. Le centre universitaire des arts du spectacle contemporain n’est pas un bâtiment doté d’une seule vocation — c’est un bâtiment qui en a trop. Au fil de plus de soixante projets artistiques universitaires conçus par H3 et son équipe, nous avons vu la pression s’accumuler : le bâtiment doit enseigner, accueillir des spectacles, représenter l’institution, générer des revenus et, inévitablement, symboliser. Une répétition se transforme en récital, qui cède la place à une production itinérante conçue autant pour la vente de billets que pour la qualité artistique. Cette élasticité est présentée comme une vertu — flexibilité, adaptabilité, réactivité — mais elle masque souvent une incertitude plus profonde quant à la raison d’être de ces bâtiments. Le résultat, trop souvent, est un compromis déguisé en exhaustivité.
Le triple mandat
Nous en sommes venus à définir ce défi comme un triple mandat. Un centre universitaire des arts du spectacle doit être un lieu d’enseignement, en phase avec les méthodes pédagogiques des départements qui l’occupent. Il doit être une salle de spectacle, capable d’accueillir des productions d’un niveau qui prépare les étudiants à une carrière professionnelle et qui attire le public de la communauté environnante. Et il doit être une porte d’entrée — une présence civique accueillante qui témoigne de l’engagement de l’institution envers les arts et invite la ville à y entrer. Les arts du spectacle renforcent le pouvoir de la communauté, et le rôle du bâtiment est de concrétiser cela. Les projets les plus captivants sont ceux qui éveillent la curiosité, suscitent l’intérêt et invitent à la participation — des bâtiments qui attirent les gens à l’intérieur plutôt que de tout dévoiler depuis la rue.
Un centre universitaire dédié aux arts du spectacle doit à la fois être un cadre pédagogique en phase avec la pédagogie du département, une salle de spectacle capable d’accueillir des productions de niveau professionnel, et une porte d’entrée civique qui invite la communauté environnante à entrer. C’est la capacité à concilier ces trois aspects, sans que l’un ne soit sacrifié au profit des autres, qui distingue les projets qui perdurent.
L'intimité comme résultat d'une démarche délibérée
C'est dans l'intimité que cette discipline trouve son point de départ. La transmission de l'art de l'artiste au public repose sur un lien direct et physique — un lien que la salle parvient à créer ou non. L'intimité n'est pas le simple résultat d'une petite taille ; c'est une réussite architecturale qui exige de concilier à la fois l'acoustique, les lignes de visibilité, la technologie et la géométrie — des facteurs souvent en tension les uns avec les autres. Qu'il s'agisse d'une salle noire de 100 places ou d'une salle de concert de 900 places, l'intimité n'est pas garantie et est souvent difficile à obtenir. Le Schuster Hall l'a prouvé : une petite salle qui n'avait jamais été conçue pour transmettre ce qui se passait sur sa scène.
La flexibilité, une nouvelle approche
La flexibilité, autre vertu habituelle de la programmation artistique universitaire, est le terme le plus souvent mal compris dans le cahier des charges. La flexibilité ne se résume pas à la capacité d’un lieu à accueillir de nombreuses activités ; il s’agit avant tout de la capacité à ne pas exclure les activités imprévues. Au début d’un processus de programmation, il est facile d’énumérer les activités qu’un bâtiment accueillera. Ce qui est plus difficile, et plus important, c’est de concevoir un espace adapté aux activités que personne n’a encore imaginées.
Le DiMenna Center for Classical Music, que nous avons conçu pour l’Orchestra of St. Luke’s en tant que seul espace de répétition et d’enregistrement de New York optimisé sur le plan acoustique et dédié à la musique classique, constitue un modèle instructif. La Mary Flagler Cary Hall, son cœur, est conçue selon la norme acoustique NC-15 — une référence qui permet aux grands orchestres de réaliser des enregistrements de qualité professionnelle. Depuis, plus de 150 groupes ont loué la salle pour des défilés de mode, des enregistrements d’albums de comédies musicales, des fêtes d’entreprise et des mariages, autant d’événements qui ne figuraient pas dans le cahier des charges initial. La conception ne les avait pas prévus. Elle s’était simplement abstenue de les exclure.
La flexibilité ne se résume pas à la capacité d’un lieu à accueillir de nombreuses activités ; elle réside surtout dans sa capacité à ne pas exclure les activités imprévues. Le Centre DiMenna a été conçu pour la musique classique. Il n’a pas été conçu pour s’opposer à tout le reste. C’est précisément cette distinction qui constitue l’essentiel de la leçon.
Le Laboratoire dramatique
La véritable opportunité offerte par la conception de centres universitaires dédiés aux arts du spectacle réside dans la mise en lumière de l’apprentissage — en effaçant la frontière entre le processus et le produit, afin que le public puisse être témoin tant de la création que de la consommation. Nous concevons les espaces de spectacle universitaires comme des laboratoires dramatiques : des lieux où les artistes, les étudiants et les producteurs peuvent tester de nouvelles approches, ajuster l’éclairage, faire se fondre les gradins et la scène, ou reconfigurer la salle. Chaque espace — scène, salle de répétition, atelier de production, cabine de régie — est un espace d’enseignement. C’est ce qui distingue un établissement universitaire de tout autre type de centre des arts du spectacle : c’est un lieu qui prépare ceux qui étudient les arts à la vie professionnelle, et pas seulement un lieu où se déroulent des représentations. Les étudiants qui se forment dans des bâtiments conçus selon des normes professionnelles obtiennent leur diplôme prêts à intégrer le monde du travail.
Centre universitaire des arts du spectacle H3 — chiffres sélectionnés
» à l'Ent Center de l'UCCS
» : «un bâtiment qui suscite l’enthousiasme tant chez les enseignants et les étudiants que chez l’
et les administrateurs»
Source : Données du projet H3 Hardy Collaboration Architecture
Trois bâtiments, trois échelles
La construction du Smith Family Center for the Performing Arts de l'université d'Alabama est en cours : il s'agit d'un complexe de 10 770 m² comprenant quatre salles à Tuscaloosa, relié au Bryce Main Building, un bâtiment de style italien datant de 1853 dont le dôme en stuc blanc est classé monument historique. Le programme — comprenant un théâtre de danse de 450 places, un théâtre dramatique de 350 places, un studio de théâtre de 250 places et un théâtre d'opéra de 110 places — a été défini à l'issue d'une analyse approfondie, en amont de la conception, des besoins du département de théâtre et de danse. Les studios sont dimensionnés et équipés pour s'adapter aux environnements professionnels en matière de conception de costumes, de décors, de production et d'éclairage ; une acoustique réglable est prévue dans tous les espaces de représentation ; les planchers de danse sont conçus avec précision pour répondre aux critères d'accréditation de la National Association of Schools of Dance.
La relation entre le campus et la communauté ajoute une dimension supplémentaire de complexité. Un bâtiment ouvert au public doit néanmoins s’inscrire dans son contexte universitaire ; celui qui sert l’institution ne doit pas pour autant s’aliéner son environnement. Cet équilibre ne relève que rarement de la seule architecture : il se concrétise au quotidien à travers la programmation, l’accessibilité et la gouvernance, et doit être pris en compte dès la conception. L’Ent Center for the Arts de l’Université du Colorado à Colorado Springs est la réalisation la plus aboutie de ce principe que nous ayons construite. Ce complexe de 8 548 m², situé à l’entrée du campus, abrite quatre salles : le Shockley-Zalabak Theater de 757 places, le Chapman Foundations Recital Hall de 230 places, le Dusty Loo Bon Vivant Theater de 200 places (qui accueille la compagnie professionnelle Theatreworks), et l’Osborne Studio de 120 places — ainsi que la Marie Walsh Sharpe Gallery of Contemporary Art. Le Shockley-Zalabak est utilisé en permanence par les organisations artistiques de la communauté de Colorado Springs, parallèlement à la programmation académique de l’UCCS et aux productions en tournée. Le bâtiment n’était pas une installation universitaire que la communauté était invitée à utiliser ; il s’agissait d’une installation que l’université et la communauté ont construite ensemble — dans le cadre de la commande passée à H3 en 2010 et d’un processus d’engagement communautaire de plusieurs années qui a réuni près d’une centaine de collaborateurs issus de la communauté.
Une autre dimension de complexité caractérisait le Knight Center for Music Innovation de la Frost School of Music de l’université de Miami — un bâtiment de 2 323 m² abritant une salle de récital de 200 places et un Innovation Studio entièrement modulable, deux espaces aux finalités pédagogiques diamétralement opposées. La salle de récital est conçue autour d’une acoustique fixe, avec des panneaux muraux latéraux GFRG sur mesure qui réfléchissent le son non amplifié. L'Innovation Studio est flexible dans presque tous les domaines ; sa caractéristique principale est un mur-rideau électrifié qui projette sur la Newman Plaza adjacente, transformant un mur en écran extérieur et diffusant simultanément les représentations intérieures à l'ensemble du campus. Le bâtiment a obtenu la certification LEED Platine — une première pour la Frost School — démontrant ainsi que la durabilité haute performance et la conception acoustique haute performance ne sont pas des priorités concurrentes.
Technologie, étalonnée
Dans ces bâtiments, la technologie est à la fois une solution et une source de complications. Elle promet de l’adaptabilité, mais elle vieillit vite. Notre position est nuancée : trop d’architecture peut nuire au travail artistique ; trop peu constitue un fardeau. Trop de technologie épuise le budget de construction et nécessite l’intervention de spécialistes ; trop peu rend l’installation exigeante en main-d’œuvre et coûteuse à exploiter. La question n’est pas de savoir si le bâtiment dispose des dernières fonctionnalités au moment de son achèvement, mais si ces fonctionnalités servent les programmes qui l’habiteront pendant les trente prochaines années.
Le test qui compte
Ce qui distingue en fin de compte les centres universitaires des arts du spectacle qui réussissent, ce n’est pas leur capacité à tout faire, mais leur vision claire de ce qui importe le plus. Cette vision dépasse le cadre de son contexte d’origine. Huit ans après l’inauguration du Davis Performing Arts Center de l’université de Georgetown, Maya E. Roth, directrice du département des arts du spectacle, décrivait ainsi le bâtiment :
« L'influence à long terme du H3 à Georgetown est considérable : le Davis Center est un véritable atout et un vecteur de transformation continue. La conception de ce bâtiment est exceptionnelle, car elle parvient à répondre simultanément à des besoins très variés. Huit ans après son ouverture, il reste un lieu qui suscite l'enthousiasme tant chez les enseignants que chez les étudiants et les administrateurs. »
— Maya E. Roth, directrice du département des arts du spectacle de l'université de Georgetown
C'est là que réside le véritable test : non pas l'inauguration, mais la décennie qui suit. Non pas le coup d'envoi, mais la répétition du mardi après-midi de la neuvième année, lorsque le bâtiment remplit parfaitement sa fonction et que personne n'y prête vraiment attention.
À propos de l'architecture de collaboration H3 Hardy
H3 Hardy Collaboration Architecture est un cabinet new-yorkais spécialisé dans les bâtiments destinés aux arts du spectacle, à la culture, aux services publics et à l'enseignement. H3 est le studio de conception de théâtres, d'espaces artistiques et culturels au sein du groupe Arquitectonica, et a remporté plus de 100 prix de design décernés par l'AIA et des organismes régionaux de design à travers tout le pays.
H3 a construit plus de cinquante centres dédiés aux arts du spectacle et plus de quinze centres artistiques universitaires, parmi lesquels l'Ent Center for the Arts de l'UCCS, le Knight Center for Music Innovation de la Frost School of Music de l'université de Miami et le Smith Family Center for the Performing Arts (en cours de construction) de l'université d'Alabama.