Une salle de récital de 358 places devrait, par nature, offrir une ambiance intimiste. Ce n'était pas le cas de l'auditorium de l'université Wright State, construit en 1973.
Ceux qui devaient se produire sur cette scène ont déclaré que la salle manquait d’intimité, de concentration et de véritable lien entre l’artiste et le public. Le nombre de places n’avait rien à voir là-dedans. Le problème tenait à la géométrie, à l’acoustique et à l’idée reçue selon laquelle une salle modeste suffirait à elle seule à remplir sa fonction. Cette petite salle avait discrètement échoué dans la seule mission pour laquelle tout espace de spectacle existe.
Lorsque nous avons rénové la salle en 2012 pour en faire la salle de concert Benjamin et Marian Schuster, nous avons réduit le nombre de places à 307 et repensé l’acoustique de la salle, ses proportions et la manière dont elle s’adresse au public. Schuster est un projet de petite envergure, mais il met en lumière un problème qui est devenu le défi majeur de la conception des centres universitaires des arts du spectacle, quelle que soit leur taille. Le centre universitaire des arts du spectacle contemporain n’est pas un bâtiment ayant un seul objectif. C’est un bâtiment qui en a trop. Au fil de plus de cinquante projets artistiques universitaires menés par notre cabinet, nous avons vu la pression s’accumuler. On attend du bâtiment qu’il enseigne, qu’il accueille des spectacles, qu’il représente l’institution, qu’il génère des revenus et, inévitablement, qu’il soit un symbole. Une répétition se transforme en récital, qui cède la place à une production en tournée conçue autant pour la vente de billets que pour la qualité artistique. Toute cette élasticité est présentée comme une vertu, comme de la flexibilité, de l’adaptabilité et de la réactivité, mais elle masque généralement une incertitude plus profonde quant à la fonction réelle du bâtiment. Le résultat, plus souvent qu’il ne le devrait, est un compromis déguisé en exhaustivité.
Nous en sommes venus à considérer ce défi comme un triple mandat. Un centre universitaire dédié aux arts du spectacle doit être un environnement pédagogique, en phase avec la manière dont les départements qui le composent dispensent effectivement leur enseignement. Il doit être une salle de spectacle, capable d’accueillir des productions d’un niveau qui prépare les étudiants à une carrière professionnelle et qui attire un public venu de la communauté environnante. Et il doit être une porte d’entrée, une présence civique accueillante qui reflète la vision de l’institution sur les arts et invite la ville à entrer. Les arts du spectacle ancrent la communauté dans la réalité, et le rôle du bâtiment est de lui offrir un cadre où cela puisse se produire. Les projets qui fonctionnent sont ceux qui éveillent la curiosité et invitent les gens à participer, des bâtiments qui vous attirent à l’intérieur plutôt que de tout dévoiler d’un seul coup depuis le trottoir.
C'est dans l'intimité que réside l'essence même de cette discipline. L'art passe de l'artiste au public par le biais d'un lien direct et physique, et c'est la salle qui permet ou non l'établissement de ce lien. L'intimité n'est pas une simple conséquence d'une petite taille. C'est un élément pour lequel on conçoit l'espace, et qui exige de résoudre simultanément les problèmes d'acoustique, de visibilité, de technologie et de géométrie, même lorsque ces éléments s'opposent les uns aux autres. D’une salle noire de 100 places à une salle de concert de 900 places, l’intimité n’est jamais garantie et est souvent difficile à obtenir. Schuster en a apporté la preuve : une petite salle qui n’avait jamais été conçue pour accueillir ce qui se passait sur sa scène.
La flexibilité, cette autre vertu intrinsèque de la programmation artistique, est celle que l’on comprend le plus souvent à tord. La flexibilité ne se résume pas à la capacité d’un espace à accueillir de nombreuses activités. Elle va bien au-delà : c’est la capacité à ne pas exclure les activités auxquelles personne n’a encore pensé. Au début d’un processus de programmation, il est facile de dresser la liste des activités qu’un bâtiment pourra accueillir. La tâche la plus difficile et la plus importante consiste à concevoir des espaces pour des activités que personne n’a encore imaginées. Le DiMenna Center for Classical Music, que nous avons conçu pour l’Orchestra of St. Luke’s en tant que seul espace de répétition et d’enregistrement de New York optimisé acoustiquement et construit spécifiquement pour la musique classique, en est un bon exemple. Sa pièce maîtresse, le Mary Flagler Cary Hall, a été construite selon la norme acoustique NC-15, suffisamment silencieuse pour permettre aux grands orchestres d’y réaliser des enregistrements professionnels. Depuis lors, plus de 150 groupes extérieurs ont utilisé la salle pour des défilés de mode, des enregistrements d’albums de comédies musicales, des fêtes d’entreprise et des mariages. Aucune de ces utilisations ne figurait dans le cahier des charges initial. La conception n’avait prévu aucune d’entre elles. Elle avait simplement refusé de les exclure.
La plus grande opportunité offerte par la conception de centres universitaires dédiés aux arts du spectacle réside dans la mise en lumière du processus d’apprentissage, en effaçant la frontière entre le processus et le produit, afin que le public puisse assister à la création plutôt que de se contenter d’admirer le résultat final. Nous concevons les espaces de spectacle universitaires comme des laboratoires scéniques, des lieux où les artistes, les étudiants et les producteurs peuvent expérimenter, ajuster l’éclairage, estomper la frontière entre les gradins et la scène, et réaménager la salle. Chaque espace a sa raison d'être en tant qu'espace d'enseignement : la scène, la salle de répétition, l'atelier de production, la cabine de régie. C'est ce qui distingue un établissement universitaire de tout autre type de centre des arts du spectacle. C'est un lieu qui prépare les étudiants en arts à une vie professionnelle dans ce domaine, et pas seulement un lieu où se déroulent des représentations.
La construction du Smith Family Center for the Performing Arts de l'université d'Alabama est en cours. Il s'agit d'un complexe de 10 770 m² comprenant quatre salles à Tuscaloosa, relié au Bryce Main Building, un bâtiment de style italien datant de 1853 dont le dôme en stuc blanc est classé monument historique. Le projet, qui comprend un théâtre de danse de 450 places, un théâtre dramatique de 350 places, un studio de théâtre de 250 places et un théâtre d'opéra de 110 places, est le fruit d'une longue étude préalable visant à déterminer les besoins réels des départements de théâtre et de danse. Les studios sont dimensionnés et équipés pour correspondre aux environnements professionnels dans lesquels les étudiants travailleront pour la conception des costumes, des décors, de la production et de l’éclairage. Chaque espace de représentation est doté d’une acoustique réglable. Les planchers de danse sont conçus selon les normes requises pour l’accréditation par la National Association of Schools of Dance. Les étudiants qui s’entraînent dans des bâtiments construits selon des normes professionnelles obtiennent leur diplôme prêts à exercer un métier.
La relation entre le campus et la communauté ajoute une dimension supplémentaire. Un bâtiment ouvert au public doit néanmoins s’inscrire dans son cadre universitaire, et un bâtiment au service de l’établissement doit rester en harmonie avec son environnement. Cet équilibre ne relève que rarement de la seule architecture. Il se concrétise au quotidien à travers la programmation, l’accessibilité et la gouvernance, et doit être pris en compte dès la conception. L'Ent Center for the Arts de l'Université du Colorado à Colorado Springs est l'exemple le plus abouti de ce que nous avons construit. Ce complexe de 8 548 m² se trouve à l'entrée du campus et abrite quatre salles : le Shockley-Zalabak Theater de 757 places, la salle de récital Chapman Foundations de 230 places, le Dusty Loo Bon Vivant Theater de 200 places, qui accueille la compagnie professionnelle Theatreworks, et l’Osborne Studio de 120 places, ainsi que la Marie Walsh Sharpe Gallery of Contemporary Art. Le Shockley-Zalabak est constamment utilisé par les organisations artistiques de Colorado Springs, parmi lesquelles le Chamber Orchestra of the Springs et E.P.I.C. Concerts, parallèlement à la programmation académique de l’UCCS et aux productions en tournée. Il ne s’agissait pas d’un bâtiment universitaire que la communauté était simplement invitée à utiliser. Il s'agit d'un établissement que l'université et la communauté ont construit ensemble, au terme d'un processus de plusieurs années qui a débuté avec notre mandat en 2010 et a réuni un large éventail de partenaires communautaires autour de la table de conception.
C'est une complexité d'un autre genre qui a façonné le Knight Center for Music Innovation de la Frost School of Music de l'université de Miami, un bâtiment de 2 323 m² abritant une salle de récital de 200 places et un Innovation Studio entièrement modulable, deux espaces aux ambitions diamétralement opposées. La salle de récital s'articule autour d'une acoustique fixe, ses panneaux muraux latéraux GFRG sur mesure modelant le son non amplifié. L'Innovation Studio est modulable dans presque toutes ses dimensions, et sa particularité réside dans un mur-rideau électrifié qui projette sur la Newman Plaza adjacente, transformant un mur en écran extérieur et diffusant les spectacles intérieurs vers l'ensemble du campus. Le bâtiment a obtenu la certification LEED Platine, une première pour la Frost School, ce qui met fin à l'idée selon laquelle la durabilité haute performance et l'acoustique haute performance doivent se disputer le même budget.
La technologie est à la fois la solution et la source de complications dans ces bâtiments. Elle promet de l’adaptabilité, mais devient vite obsolète. Notre position consiste à trouver le juste équilibre. Trop d’architecture fait obstacle au travail artistique, tandis que trop peu le prive de soutien. Trop de technologie grignote le budget de construction et nécessite des spécialistes pour la faire fonctionner, tandis que trop peu rend le lieu coûteux et exigeant en main-d’œuvre à exploiter. Le véritable test n’est pas de savoir si le bâtiment dispose des dernières fonctionnalités le jour de son inauguration. Il s’agit de savoir si ces fonctionnalités servent les programmes qui y seront menés au cours des trente prochaines années.
Ce qui distingue finalement les centres universitaires des arts du spectacle qui réussissent des autres, ce n’est pas l’étendue de leurs capacités. C’est la clarté avec laquelle ils définissent ce qui compte le plus. Cette clarté perdure bien au-delà du moment où elle a été établie. Huit ans après l’ouverture du Davis Performing Arts Center de l’université de Georgetown, Maya E. Roth, directrice du département des arts du spectacle, l’a formulé ainsi :
L'influence à long terme du H3 à Georgetown est considérable : le Davis Center est à la fois un cadeau et un vecteur de transformation continue. La conception de ce bâtiment est exceptionnelle, car elle parvient d'une manière ou d'une autre à répondre simultanément à des besoins très variés. Huit ans après son ouverture, il reste un bâtiment qui suscite l'enthousiasme tant chez les enseignants que chez les étudiants et les administrateurs. Maya E. Roth, présidente du département des arts du spectacle, Université de Georgetown
C'est là que réside le véritable test. Pas lors de l'inauguration, mais au cours de la décennie qui suit. Pas lors de la cérémonie d'ouverture, mais lors de la répétition du mardi après-midi de la neuvième année, quand le bâtiment remplit parfaitement sa fonction et que personne n'y prête plus vraiment attention.